【环球网文化综合报道】已过花甲之年，是否还能怀抱梦想？
答案是，可以有。
近日，及象教育携手新京报《城市体验官》栏目组，共同发布了一则招募令，旨在寻找怀揣梦想、勇于追梦的中老年人，让他们的故事被更多人看见，让梦想的光芒照亮更多人的生活。
在众多响应者中，有这样一位老人，她的故事尤为引人注目。
前半生忙碌事业与家庭之间，几乎将全部精力都奉献给了这两大支柱；后半生深藏心底多年的梦想悄然苏醒——学习国画，并举办一场属于自己的画展。
她就是年逾八旬的刘文玲。
燃青春筑事业，书画点亮晚年生活
刘文玲老人的前半生，是奉献与牺牲的写照。1962年考上北京大学医学部，毕业后被分配到内蒙古鄂尔多斯，成为一名牧区医生，她的青春几乎都献给了医疗卫生事业。即便退休后也没闲着，帮着女儿照看孩子，家务事又填满了生活。
刘文玲心中一直有一道光，她说：“我小时候就喜欢画画，后来工作没时间画，照顾家里也没时间画，但不时总有拿起画笔的冲动，我觉得我还有梦想。”
刘文玲说，外孙长大了，家里事情少了，她决定在晚年时光里，用笔墨描绘出心中的梦想与追求。这不仅是对艺术的热爱，更是对生命的一种尊重和珍惜，这些日常画下来的作品，就是积压在心里几十年的梦想，它们在纸上绽放了。
在在线学习蔚然成风的今天，刘文玲意外地邂逅了及象教育，作为国内知名的中老年兴趣教育机构，及象教育以其专业的课程体系，为刘文玲打开了一扇前所未有的国画大门。
从国画基础理论的扎实构筑，到复杂技法的精妙传授，及象书画院的网课平台以其系统性与专业性，为刘文玲量身打造了一条高效学习路径。而灵活的平台学习模式，彻底打破了传统学习模式的时空限制，无需远赴他乡，也不必受限于固定的课程时间，只需轻点平板，便能随时随地接入到专业的书画课堂。
这种“足不出户，学遍天下”的学习方式，更是让刘文玲在繁忙的家庭生活中找到了平衡，实现了照顾家人与追求艺术梦想的双重目标。
经过三年的不懈努力，刘文玲的绘画作品从最初的青涩稚嫩逐渐蜕变的成熟大气，其创作领域更是广泛涉及山水、花鸟、人物素描等多个方面，每一幅作品都凝聚着她对艺术的深刻理解与独到见解。
这些作品是她个人艺术成长的见证，它们以独特的艺术语言，讲述着刘文玲对国画的热爱，以及对美好晚年生活的无限热爱。
晚年携手共前行，追梦路上不孤单
刘文玲的故事，是许多中国普通老年人的缩影。
她们中的许多人，在年轻时因各种原因与梦想阻隔，却在步入晚年后，重新唤起青春时代的梦想。
三年里，刘文玲完成了几百幅作品。“画越来越多，我还送出去不少。”谈起自己的画，她满脸洋溢着笑容。她对我说，自己还有一个心愿，希望能办一场个人画展。“让大家都看看，一个普普通通的80岁老人，追求自我价值和生命的意义还不算晚。”
当新京报《城市体验官》栏目组接到这个心愿时，感动于这样执着的梦想。他们与及象教育快速响应，决定共同为这位八旬老人圆梦。
经过紧锣密鼓的筹备工作，一场以“【八十岁有“画”说】为主题的展览在刘文玲家所在社区的中心花园成功举办。
不少居民在画作前驻足欣赏，刘文玲会上前和他们聊聊自己的作品，在现场为观众讲解自己的创作心得和体会，她的热情和真诚感染了每一个人，也激发了更多中老年人参与书画学习的热情。
为了给刘文玲一个惊喜，及象教育的寒山老师也被请到了画展现场。他是刘文玲的中国画老师，从中国画的基础知识，到画法技巧，几乎都是“手把手”教学。刘文玲画了画也经常向他请教，频繁的线上互动也让他们成了忘年交。在线下见到自己授课老师的那一刻，她上前拥抱，开心得像个孩子。
两个小时的展出，让刘文玲的作品与更多人见面，这样的相遇，让她的“人生第一场画展”变得更为有意义。这次画展的顺利举办，虽然只是实现了一个普通老人的艺术梦想，却让在场所有人都感受到了生命咋赞美和讴歌。
正如新京报记者在此次采访手记所言，年龄不是梦想的枷锁，老年人也有“自我实现”的需求。
及象教育：点亮每一个老年人的梦想
在这个快节奏的社会中，三亿老年人的需求何处安放？越来越多的产业方开始关注这个喷涌的需求，其中就包括及象教育。
自成立以来，及象教育一直致力于为中老年群体提供多元化的在线教育产品，包括书画、声乐、健康养生等上百门课程，来满足银发群体的精神需求。通过针对性的课程设计，及象教育已经成为中老年人群自我提升和充实晚年生活的重要平台，尤其在艺术教育领域独树一帜。
迄今为止，及象教育已经服务了一百多万中老年学员，成为国内最大的专注于银发人群的在线教育平台。
如何做到这一点？及象教育的方法论是“好老师+好课程+好服务”。
及象教育不仅汇聚了一批来自各大名校的年轻师资团队，也邀请行业大师亲自授课。此外，课程体系不仅注重专业知识的传授，更强调“手把手”教学，注重老年学员学习过程的轻松愉悦。
此外，针对老年人的社交需求，及象教育还组织线上和线下交流活动，构建了一个充满温情和互相支持的学习社区，鼓励学员们在共同学习中结交朋友、分享经验。
正如76岁学画，80岁成名的摩西奶奶所说，人生永远没有太晚的开始。也正因为有越来越多像及象教育这样的产业参与方和助力者，通过提供好产品和好服务，帮助更多的老人实现梦想，让他们随时重启梦想，随时出发。
有关艺术的小故事
音乐家贝多芬的故事路德维希·凡·贝多芬(1770-1827) 是十八世纪后年叶以来世界最著名的德国音乐家。 1770年12月26日贝多芬诞生于德国莱茵河畔的波恩城。 他的祖父原是荷兰籍，移居德国后，曾任当地宫廷乐长。 父亲是个男高音歌手，母亲是宫廷御厨的女儿。 贝多芬生长的年代，正是约瑟夫二 世实行开明专制的时期，波恩的统治者也实行了一些改良的措施。 波恩成了当时德国启蒙运动的中心地之一。 贝多芬的幼年 就是在这样的环境下成长起来的。 但是，贝多芬童年很不幸福，嗜酒成癖的父亲败坏了家业，他企图把四岁的贝多芬变成摇钱 树，一心想让自己的儿子也成为莫扎特式的神童，因此他不只强 迫孩子练琴，而且常常夜半三更酗酒回家后把孩子从熟睡中拖起来拉琴，不满八岁的贝多芬被强迫在寇恩的听众面前表演、卖艺，十一岁的贝多芬就开始在剧院的乐队里工作。 这种严酷的童 年生活，使贝多芬很早就走上了独立的以音乐谋生的道路，同时 也就养成了他坚毅倔强的性格。 从1781年起，贝多芬在剧院工作的同时，跟乐队指挥奈弗学习巴赫的《平均律钢琴曲》和作曲法。 奈弗是位很有修养、倾向于启蒙运动的作曲家．指挥家，他对发展德国的民族歌剧、清唱剧都曾有过贡献。 贝多芬通过向这位老师学习，认识到学习德国 民族音乐传统的重要，并在奈弗的引导下也接受了启蒙运动的影响，对德国当时的进步文学发生了浓厚的兴趣。 1787年以后，贝多芬担起了全家生活的经济重担。 但贝多芬并未被艰难困苦的适遇所屈服，他设法在波恩大学旁听哲学课，他醉心于诵读和研究古代神话、希腊文和拉丁文的古典文学，他对莎士比亚、席勒、歌德等人的作品非常喜爱。 他虽然没有莫扎特的早熟天赋，也没有莫扎特优越的学习条件，而他那孜孜不倦的自学所取得的成就，是他所有的前辈都不及的。 1789年的法国资产阶级革命和莱茵河流域进步的反封建运动，对贝多芬的思想成长起了巨大的作用，他逐渐把追求自由、平等．博爱作为自己的政治理想。 1790年他创作的大合唱《约瑟 夫二世之死》，把约瑟夫二世当做人民的救世主来赞颂，这一方面表现出他对共和理想的追求，同时也反映出贝多芬早年对改良主义的不合实际的幻想。 这部作品也是贝多芬把声乐和交响乐溶为一体的最早尝试。 1792年，贝多芬在海顿的鼓励与支持下，来到维也纳定居。 他起先是以一位天才的青年钢琴家出入维也纳的贵族门庭，并受到贵族们的热情接待和保护，他也曾一度产生过对上流社会的幻 想。 但是，贝多芬所处的时代毕竟与海顿，莫扎特的时代不同，时代赋予贝多芬更成熟的资产阶级自觉性和个人的自信和自尊。 因而他一开始就不甘愿做贵族门的奴仆，而是要与贵族们有平等的地位。 后来贝多芬渐渐发现自己的资产阶级理想和当时的封建 社会有着很大的矛盾，再加上他1796年开始面临耳聋的威胁，使贝多芬很快增长起一种对现实不满，对个人命运反抗的思想感情。 1797年后，贝多芬患了耳聋病，病情逐年恶化。 对一个音乐家说来，再没有比这一打击更沉重的了！恶魔限制了作曲家同外界的交往，妨碍了他的钢琴演奏，他不得不放弃演出，而长期隐居在维也纳乡村。 从1800年起，贝多芬在创作上很自然地逐渐 脱开海顿和莫扎特的影响，力求创造自己的艺术风格，追求新的理想。 他于 1803年完成的《第三交响曲》（《英雄交响曲》）标志了他在创作上进入一个新的发展阶段——成熟时期。 他这一时期的创作力极 为旺盛，表现出巨人般的工作能力，涌现出许多杰出的作品。 贝多芬成熟时期作品的基本思想逻辑——“通过斗争，得到胜利，在这一时期中逐步得到确立，英雄性、群众性的交响乐新风格形 成了，革命的内容、戏剧性的交响乐发展手法、形式上的各种重 大革新等等，在这一时期都获得了进一步的发展。 贝多芬最杰出的作品，几乎都是在他后半生三十年生涯的耳聋状态中创作的。 1815一1819年是贝多芬经历的四年危机时期。 当时，欧洲陷入了反动的封建复辟时期，资产阶级的革命力量遭到扼杀，黑暗笼罩着欧洲大陆。 这个时期贝多芬的思想较为复杂，他的自信和坚定被失望和动摇所袭扰;创作上的英雄风格向抒情性风格转变；作品很少，大部分时间花在收集、探索和改编欧洲各国的民 歌上。 这充分说明资产阶级上升时期的共和主义者是有其历史局限的。 然而，贝多芬最后终于从沉默中挣扎出来，度过了他的危机 时期。 从1819年起，贝多芬重又把自己的注意力集中在反封建的 斗争中来。 此时他创作的五首钢琴奏鸣曲、五首弦乐四重奏，乃至他创作中最伟大的《第九交响曲》（《合唱交响曲》）等作品都具有深刻的意义。 但贝多芬最后的晚年是他一生最悲惨、最痛 苦的年月，孤寂和贫困的威胁使他穷愁潦倒，孑然一身，1827年3月26日病逝于维也纳。 据说在他临终的一刻，暴雨雷电交加， 贝多芬举起干枯的手臂向天空作最后的奋击。 这种生命不息战斗 不止的精神，全部贯注在他那些不朽的巨作中。 贝多芬是人类艺术上最伟大的创造者之一。 他一方面有着卓越的音乐天斌、炽热的叛逆气质和巨人般的坚强性格；另一方面他那百折不挠的意志和对社会的责任感而产生的崇高思想，形成他作为一个音乐家的特殊品质。 他通过自己的创作，特别在他的九部交响曲中，反映了那个时代伟大的人民运动和最进步的思想。 他以时代和个人的命运为题，通过深刻的哲理和感人的艺术形象相结合，写出了一系列交响乐作品，表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明、从苦难到快乐的资产阶级上升时期的精神历程，他的九首交响曲象珍珠一样永远闪闪发光。 通过对贝多芬九首交响曲的研究和分析，特别是其中四首(即第三．五、六，九首)标题性交响曲的剖析，我们不仅可以了解贝多芬全部创作的基本面貌和他那伟大而纯真的思想，而且可以了解到交响乐创作上的重大革新，可以看到交响乐是如何从海顿、莫扎特时代过渡到以舒柏特、门德尔逊为代表的新发展时期。 早在贝多芬在世时他就已被公认是具有世界意义的音乐家， 他既是伟大的古典作曲家，又以浪漫派的先驱而载入史册。 康熙年间，有个御用画师叫禹之鼎的，自小苦练丹青，又融汇各派之长，学识渊博，当时有“禹画圣”的称号，于是他自己颇为自负。 “禹画圣”供职内廷，常听众官称康熙帝天资聪颍，志趣高尚，艺事无一不精，且擅画工。 “禹画圣”却不以为然，心想，康熙是皇帝，你们当然要捧他了，我就不信皇帝啥都懂，我“禹画圣”以自己才艺立身世界，岂能与阿谀奉承之辈合污。 话说清圣祖玄烨，听到有此心高气傲的画师，也有心去看看这人倒底有多大能耐。 一日微服来到内廷，见禹之鼎画的《王士桢幽坐篁啸图卷》颇具在野文人那种豪放不拘、精研细绘的画风，看后心自欢喜。 却说皇上骂到，早惊动了众官，都诚惶诚恐地跪拜于阶下，高呼：“吾皇万岁!”康熙帝笑盈盈地摆手说道：“朕来此观画，不必多礼了。 ”“禹画圣”见皇上兴致很好，心想，何不趁此时机试试皇上对画艺修养，也可使自己在皇帝面前显示自己的才能。 于是出得列来，朗声奏道：“臣禹之鼎叩见圣上，愚臣才疏学浅，画工粗犷，请圣上指教！”康熙帝一边说；“免礼平身。 ”一边端详着禹之鼎，心想，这分明是要看我有没有赏画水平啊!亏这老儿还有个性，于是高兴地说道：“你这画，章法严谨，行笔坚硬，用量圆润，浓淡相浑厚而滋润，一山一石，一竹一水，随意挥洒，虽受尺幅之限，却含‘拂云擎日之态’，王士桢独坐幽篁中，两眼迷离，虽有避世厌俗之意，却露孤芳自赏之情吧?”禹之鼎听得目瞪口呆，微露羞赧之色，忙跪下说道：“在下之画技，与名人相差甚远。 ”又双手呈上一幅画卷：“圣上精通画意，请万岁爷观赏此画之意境，小人聆教之！”好个“聆教之”，原来禹之鼎听到康熙帝评画中暗讥他“孤芳自赏”，虽微赧于颜，但不甘就此罢了，便来个“以攻为守”。 禹之鼎呈上的是一幅很少为人所知的古画，他心想你皇帝如没点真才实学也难论此画了。 康熙帝一听，暗想，不知这“怪才”拿什么画来考朕，心中也很好奇，就说道：“你将画悬挂于壁，朕与尔等共赏之。 ”内廷众官，见康熙帝赏画论艺，就攘挤一堂倾听受教，此时见“禹画圣”拿古画来考皇帝，都惊得倒吸一口凉气。 画卷徐徐展开，只见一幅奇崛豪放的泼墨山水呈于眼前，章法实在出奇，突兀的山岩如铸铁所成，或云或泉，因其形似，犹如水自天而泻，自然天成，不见墨污之迹，这种磅礴灏翰的画面气势逼人，观者都惊得鸦雀无声。 康熙帝缓缓地端起茶呷了一口，寻思着，内廷秘藏无数历代名画，此画却第一次见得，就凭这“怪才”呈上的这张画，朕也该恕他无罪了。 “禹画圣”见皇帝端杯寻思，心里暗自高兴，在旁用踌躇满志的眼光扫了一眼冥思苦想的众官员，自负地用二根细细的手指捻着稀疏的胡子。 这时康熙帝轻轻放下茶杯说道：“朕纵观此画，由近及远，山石嶙峋有次，造型迥异，可谓鬼斧神工；涓涓细流统贯全画，有来有去，可逐流溯源，淡骨浓色的云霭推着苍郁的松涛，如闻其声，又添几分神秘的色彩，美也！”众官员听到康熙帝生动的评画顿时活跃起来，用钦慕的眼光注视着皇帝。 “禹画圣”却在旁把嘴一撇，意思是，就章法、笔触、款式论画，只算程式化语言，说清画的出处才算“雅韵博古”呢！康熙帝看在眼里，心想：“好啊！这才叫‘棋逢对手’。 ”于是兴致盎然地站起来踱了几步，说道：“自古画有六法三品之说，古人云，气韵生动，出于天成，人莫窥其巧者，渭之神品；笔墨超绝，傅染得宜，意趣有余者，谓之妙品；得其形似，而不失规矩者，谓之能品；此乃三晶。 ”“禹画圣”听到此，头也不晃了。 双眼瞪着康熙帝。 只见康熙帝微笑着又说：“朕曾闻，唐末有王墨者，落魄不拘世故，多放遨于江湖间，善以泼墨作出山水松石，世人无不叹其精妙，朕观此画即王墨神品也！”众官员都为康熙帝渊博的谈吐所折服，赞声哄然四起，禹之鼎却羞得满面通红，慌忙跪拜于地连连说道：“万岁爷天聪多能，臣等莫及也！”这时康熙帝心想，现在待朕试他学识如何了!于是反问道：“禹学土见识深广，可知王墨奇特的画风如何作成?”这一问，不少官员瞠目结舌，惊慌地望着禹之鼎，但见禹之鼎小心地说道：“圣上学识渊博，愚臣岂敢‘班门弄斧’!”康熙帝哈哈笑道：“画艺切磋乃是乐事，说说不妨。 ”禹之鼎才开言道：“臣闻，王墨嗜酒成性，每欲作画，必沉酣之后，用髻取墨抵绢上，泼墨作画，盖能脱去笔墨畦町自成一种意度，因兼移其神气，果然妙不可言。 ”康熙帝高兴地听着，一边手扶案上用笔勾绘着什么，待禹之鼎讲完，康熙帝将他画的往上一举，众官一瞧，情不自禁地哎呀一声，原来康熙帝眨眼之间已将禹之鼎维妙维肖地画于纸上，画中禹之鼎虽然仍是自负地撅着两撇胡子，而那种趾高气扬不可一世的神气已经没有了。 康熙帝又一抖手腕，一行圆劲苍秀的行书留于纸上：“艺海无涯，虚怀若谷。 ”从此就流传着一段康熙论画的佳话。 颜真卿是唐代著名书法家为了学习书法，颜真卿起初向褚遂良学习，后来又拜在张旭门下。 张旭是唐代首屈一指的大书法家，各种字体都会写，尤其擅长草书。 颜真卿希望在这位名师的指点下，很快学到写字的窍门，从而一举成名。 但拜师以后，张旭却没有透露半点书法秘诀。 他只是给颜真卿介绍了一些名家字帖，简单地指点一下字贴的特点，让颜真卿临摹。 有时候，他带着颜真卿去爬山，去游水，去赶集、看戏，回家后又让颜真卿练字，或看他挥毫疾书。 转眼几个月过去了，颜真卿得不到老师的书法秘诀，心里很着急，他决定直接向老师提出要求。 一天，颜真卿壮着胆子，红着脸说：“学生有一事相求，请老师传授书法秘诀。 ”张旭回答说：“学习书法，一要‘工学’，即勤学苦练；二要‘领悟’，即从自然万象中接受启发。 这些我不是多次告诉过你了吗?”颜真卿听了，以为老师不愿传授秘诀，又向前一步，施礼恳求道：“老师说的‘工学’，‘领悟’，这些道理我都知道了，我现在最需要的是老师行笔落墨的绝技秘方，请老师指教。 ”张旭还是耐着性子开导颜真卿：“我是见公主与担夫争路而察笔法之意，见公孙大娘舞剑而得落笔神韵，除了苦练就是观察自然，别的没什么诀窍。 ”接着他给颜真卿讲了晋代书圣王羲之教儿子王献之练字的故事，最后严肃地说：“学习书法要说有什么‘秘诀’的话，那就是勤学苦练。 要记住，不下苦功的人，不会有任何成就。 ”老师的教诲，使颜真卿大受启发，他真正明白了为学之道。 从此，他扎扎实实勤学苦练，潜心钻研，从生活中领悟运笔神韵，进步很快，终成为一位大书法家，为四大书法家之首。 1，达芬奇画鸡蛋达芬奇是意大利的一位著名画家，他在小的时候，有一天，教师拿出一个鸡蛋说：“请你画出两个一模一样的鸡蛋，能做到吗?”说完就走了。 达芬奇想：鸡蛋有什么好画的，这又有何难呢?达芬奇从这边看，那边看，鸡蛋还是鸡蛋，但他怎么也画不出两个一模一样的鸡蛋。 于是，他去问老师，首先，老师表扬了他认真观察，并告诉他别小看这一个鸡蛋，其实他是千万个鸡蛋从不同的角度看是不同的鸡蛋。 达芬奇记住了这句话，不仅用手去画，而且用心灵去画，几十年之后，他终于成为了一个大画家。 2，怀素练字怀素小时候家里很穷，年少时就出家当了和尚，诵经坐禅等佛事之余，他对练字产生了兴趣。 因为买不起纸张，就找来一块木板和圆盘，涂上白漆书写。 后来，怀素觉得漆板光滑，不易着墨， 就又在寺院附近的一块荒地，种植了一万多株的芭蕉树。 芭蕉长大后，他摘下芭叶，铺在桌上，临帖挥毫。 由于怀素没日没夜的练字，老芭蕉叶剥光了，小叶又舍不得摘，于是想了个办法，乾脆带了笔墨站在芭蕉树前，对着鲜叶书写，就算太阳照得他如煎似熬；刺骨的北风冻得他手肤迸裂，他还是在所不顾，继续坚持不懈地练字。 他写完一处，再写另一处，从未间断。 这就是有名的怀素芭蕉练字。 他勤学精研；又用漆盘、漆板代纸，写至再三，盘板都穿，秃笔成冢，以“狂草”出名。 “运笔迅速，如骤雨旋风，飞动圆转，随手万变，而法度具备”。 前人评其狂草继承张旭又有新的发展，谓“以狂继颠”，并称“颠张醉素”。 对后世影响也很大。 怀素晚年草书趋于平淡。 他存世草书墨迹很多，著名的有《东陵圣母帖》、《论书帖》，是含有章草笔意的优秀作品；《苦笋帖》、《千字文》和《自叙帖》，均为狂草，笔势狂怪怒张，神彩飞舞，可以说是着力的佳作。 3，王献之练字王献之是王羲之的第七个儿子，自幼聪明好学，在书法上专工草书隶书，也善画画儿。 他七八岁时始学书法，师承父亲。 有一次，王羲之看献之正聚精会神地练习书法，便悄悄走到背后，突然伸手去抽献之手中的毛笔，献之握笔很牢，没被抽掉。 父亲很高兴，夸赞道：“此儿后当复有大名。 ”小献之听后心中沾沾自喜。 还有一次，羲之的一位朋友让献之在扇子上写字，献之挥笔便写，突然笔落扇上，把字污染了，小献之灵机一动，一只小牛栩栩如生于扇面上。 再加上众人对献之书法绘画赞不绝口，小献之滋长了骄傲情绪。 献之的父母看此情景，若有所思……一天，小献之问母亲郗氏：“我只要再写上三年就行了吧？”妈妈摇摇头。 “五年总行了吧？”妈妈又摇摇头。 献之急了，冲着妈妈说：“那您说究竟要多长时间?”“你要记住，写完院里这18缸水，你的字才会有筋有骨，有血有肉，才会站得直立得稳。 ”献之一回头，原来父亲站在了他的背后。 王献之心中不服，啥都没说，一咬牙又练了5年，把一大堆写好的字给父亲看，希望听到几句表扬的话。 谁知，王羲之一张张掀过，一个劲地摇头。 掀到一个“大”字，父亲现出了较满意的表情，随手在“大”字下填了一个点，然后把字稿全部退还给献之。 小献之心中仍然不服，又将全部习字抱给母亲看，并说：“我又练了5 年，并且是完全按照父亲的字样练的。 您仔细看看，我和父亲的字还有什么不同?”母亲果然认真地看了3天，最后指着王羲之在“大”字下加的那个点儿，叹了口气说：“吾儿磨尽三缸水，惟有一点似羲之。 ”献之听后泄气了，有气无力地说：“难啊！这样下去，啥时候才能有好结果呢？”母亲见他的骄气已经消尽了，就鼓励他说：“孩子，只要功夫深，就没有过不去的河、翻不过的山。 你只要像这几年一样坚持不懈地练下去，就一定会达到目的的！”献之听完后深受感动，又锲而不舍地练下去。 功夫不负有心人，献之练字用尽了18大缸水，在书法上突飞猛进。 后来，王献之的字也到了力透纸背、炉火纯青的程度，他的字和王羲之的字并列，被人们称为“二王”。 4，贝多芬童年贝多芬的祖父与父亲都是宫廷歌手。 在大部分时间里，他的父亲都喝得大醉，没有对家庭和气过一点，甚至连家人们是否有足够的吃穿都从未过问。 起初，善良的祖父还能使这个家庭免受太多的苦；反过来，他最大的孙子的音乐才能也使老人感到莫大的欣慰。 但是当小贝多芬只有四岁时，祖父就去世了。 贝多芬的父亲常把孩子拽到键盘前，让他在那里艰苦地练上许多小时，每当弹错的时候就打他的耳光。 邻居们常常听见这个小孩子由于疲倦和疼痛而抽泣着睡去。 不久，一个没什么水平的旅行音乐家法伊弗尔来到这个市镇，被带到贝多芬家里。 他和老贝多芬常常在外面一个小酒馆里喝酒到半夜，然后回家把小路德维希拖下床开始上课，这一课有时要上到天亮才算完。 为了使他看上去象一个神童，父亲谎报了他的年龄，在他八岁时，把他带出去当做六岁的孩子开音乐会。 但是天下哪有后天培养出来的神童，尽管费了很多事，老贝多芬始终没有能够把他的儿子造就成另一个年轻的莫扎特。 与莫扎特相比，贝多芬的童年太不幸了。 莫扎特在童年受到良好的教育，他的练功时间是愉快而安静的，有着一个慈爱的父亲和一个被钟爱的姐姐；而贝多芬则不然，虽然他的演奏赢得了家乡人的尊敬，但世界性的旅行演出却远未象莫扎特那样引起世人的惊叹。
哥特建筑和哥特摇滚有什么联系？
哥特文学及其文化现象 哥特（gothic）这个特定的字汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。 在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓「哥特复兴」（GothicRevival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。 同时，从18世纪末以来的一些文学作品，因为具有共同的基调与文体而被归类于「哥特小说」。 例如：华尔普（Walpole）的《奥蓝托城堡》（TheCastleofOtranto）、安.拉得克里夫（AnnRadcliff）的《奥多芙的神秘》（TheMysteriesofUdolpho）、路易斯（Lewis）的《僧侣》（TheMonk），当然还有玛丽.雪莱的《科学怪人》。 这些作品戮力于处理残酷的激情与超自然的恐怖主题，而小说的背景通常建构于荒凉的古堡或者幽深的修道院，主角（通常是稚嫩的少男少女）身陷于无以摆脱的魔性爱欲，和（通常是阳性的）施虐者展开一段以死亡为终结的际遇......在这些小说中包含的情欲/性别（sexual/gender）的关系，古怪地纠缠于神圣与魔鬼的角力；极度的情色高潮来自于破灭（也就是仪式的“完成”）的那一刻。 象征父权的宗教系统与企图超越的的黑暗（阴性）力量，在某种不可明说的层面，其实隐讳而酷异地分享著“爱欲交配死亡”的快感模式。 在当代的恐怖小说阵营中，象AnneRice的作品《吸血鬼纪事》（TheVampireChronicles）就流露出男同性恋情欲与父性机制的复杂互动。 有趣的是，哥特文化这样的现象除了在小说的纸页上展开，也在20世纪的后半期侵入非主流音乐的大花园，成为另类音乐中极为殊异的一个支脉。 如果你熟悉新音乐历史脉络的话，就会知道大约从70年代末到80年代，一些乐队分别顶著“后酷朋克（PostPunkCool）”、“新古典（Neo-Classical）”或者是“新嬉皮（Neo-Hippies）”的招牌，并逐渐混融成日后的哥特摇滚乐派。 早期的代表乐队包括“苏西与冥妖（SiouxsieandtheBanshees）”、“苞浩丝（Bauhaus）”、“喜悦割离（JoyDivision）”等等乐队。 它们的特色是沉郁厌世的情调、冰冷刺骨的音符既带有精细的美感，但又同时在音域层面上大量使用偏离旋律线的不协调音，穿插着对于传统音乐的反制。 在歌词与表演概念层面，处理着生命与爱欲的荒凉，对现实状态的厌弃，进而追求心灵深渊的奇诡乐趣。 在舞台上，她/他们以偏锋的狂乱扮装出现，如“苏西与冥妖”略带虐待与被虐情调（SadoMasochistic）的“冰女王”神采，或Bauhaus的主唱PeterMurphy把自己打扮成美艳的双性吸血鬼。 除了性别的颠覆与反转，哥特摇滚乐的强烈质素还表现在对于神学（或恶魔学）概念的执迷。 在1981年成立的“仁慈姐妹（TheSistersofMercy）”是几个爱好中古世纪风格的男子对於音乐意识型态的展现。 被形容为“狂笑著注视罗马城烧成一堆瓦砾”的主唱AndrewEldritch一语说穿哥特摇滚的宗教立场——对于我们，犬儒精神就如同天主教徒的圣水一样。 如果说早期的PostPunkCool对生命的诠释是沮丧与绝望（比如IanCurtis——JoyDivision的主唱——的自杀），那么“仁慈姐妹”以及同道的乐队比如“教会（TheMission）”、“全部的夏娃（AllaboutEve）”、“涅浮林之域（FieldsoftheNephilem）”、“祭仪（TheCult）”等乐团所秉持的，可能是睥睨于现实中的种种烦俗，企图推翻假惺惺的教条，抽取反对与不满的精神，化为音乐的“反面传教（negativepreach）”。 在“教会”的专辑《上帝自己的药物》（GodsOwnMedicine）中，开宗明义的第一首歌〈荒原〉（Wasteland）就嘲讽地唱出“我还是相信上帝，但是上帝已经不信仰我了。 ”这等堪称冒渎的宣言，呈现出骇人的事实：原来长久以来，神与人的权力结构恰如性爱结构的主体与客体。 在这张专集中，反复推敲着在推翻信仰的同时，死亡不再是父神用以胁迫的道具，反而是叛徒的情色乌托邦。 如同在《爱我爱到死亡》（LoveMetoDeath）一曲，美妙地铺陈情欲的高峰不被僵硬的“主控-屈从”（Dominance-submission）关系所固置；也就是说，在死亡（旷缺）的领域，致命的阴性激情并不受到掌管与压制，发展出自己的美学。 不可否认，“死亡”在哥特摇滚乐的文化层面中，几乎是个关键字。 当某些保守的声音或反挫势力，企图以这一点来抨击哥特摇滚乐与其次文化，我们可以看到两种回应：如“基督徒之死（ChristianDeath）”这个经营黑暗、痛苦情愫的乐队，对他们而言，死亡所演绎/延异出来的腐败、末世、毁灭等等情境，都足以让我们逼近“终极高潮”（ultimateorgasm）。 在一些专辑如《痛苦剧场》（OnlyTheaterofPain）、《天使的狂怒》（TheRageofAngels）、《铁面具》（TheIronMask）中，“基督徒之死”悉心探索的重心就是这种近乎临界点的痉挛之美。 在其中一首歌曲“死欲（DeathWish）”，结尾的歌词近乎狂喜地陈述“撒旦魔王是最仁慈的野兽”，配合凄厉的音乐，不啻狠狠地嘲弄了宗教/父权体系粗暴地规范在各种事物之上的二元对立价值观。 另一种反应，也许可以引述布莱特（）在吸血鬼情色小说选集《血脉深处的爱》（LoveinVein）前言中所说的话：“哥特次文化（Gothicsubculture）并不是礼赞或者爱慕死亡，只是纯粹地拒绝畏惧它。 在探索死亡的过程，慢慢地和它体肤与共，逐渐与它亲近。 ”这段话正好解释为什麽像“涅浮林之域”、“还有这些树（AndAlsotheTrees）”、“意志（Will）”、“利姬雅（Lycia）”、“TheMorendoes”等乐队，会不可自拔地沉浸于“与死去的君王交欢”的髑髅式意象（macabreimage），同时又在这般异端的情欲里浮生出细致的张力。 此外，死亡不必然是生命的匮乏，顺着这些创作者的脉络、以及在许多异教神话或恶魔学发现的象徵与寓言，死亡可能是贴近超自然、非人类领域的出口。 在此际90年代的中后期，哥特次文化不但在文学与音乐创作层面绽放，更影响了这个“混杂族群”（包括女性、酷儿、情欲的边陲份子）的文化生态与身分认同。 在情欲与性别的革命，哥特次文化追求所谓的理想典范“阴阳同体”（hermaphrodite）虽然还值得更进一步检验，但也是有助于冲迫禁制的美丽武器让过往被视为妖魔的异类（它者）摆脱单一的天堂，品味自身的欲望与天使的尸体。 如何识别一支歌特乐队？ 1、此乐队的音乐气氛怪诞且超现实。 2、此乐队的歌词包含歌特主题。 3、乐队成员的外表十分歌特化，一水儿黑。 4、乐队自称歌特乐队，和其他歌特乐队一起演出，并出现在歌特合辑当中。 5、来自于四大歌特唱片公司Cleopatra、Projekt、Tess、Anubis的乐队。 如何识别一个歌特族？ 性格：害羞且不爱交际。 艺术倾向：艺术，特别是音乐、摄影和绘画。 人文，特别是文学、历史和哲学。 着装：永远的黑色或暗色衣服。 显眼的宗教饰物，但却几乎天天改变信仰，永远不戴金首饰。 什么是歌特风格？ 音乐上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之类的名词都是“歌特风格”。 再具体形容：黑暗的恐惧、死亡的悲伤、禁忌的爱、彻底的痛苦带来的美感，简而言之，人类精神世界中的黑暗面。 吸血鬼文化? 恶魔主义?邪教? 歌特不是宗教、不是政治、与种族、性别也无关。 大多数歌特乐队都是非宗教的甚至是积极的反宗教乐队。 那些吸血鬼、天主教、古埃及和异教的视觉信号只是在传达“黑暗的力量”，以联系至歌特音乐的感觉。 歌特族们与其他同年龄的社会团体一样同样存在社会倾向，你会发现歌特族中最大的倾向实际上是对政治的极度冷漠，因为几乎所有党派的观点听起来都是一样的，而且毫无用处。 歌特存在的理由 很多人被一种毫无快乐和成就感的生活所主宰，这很不幸。 但是歌特使这种消沉的感觉成为了生活方式的一种，换句话说：痛苦就是我的生活选择——这是一种艺术。 歌特同时也许还是一种精神疗法。 如果你对一个属于主流社会的白领仔细谈起你上次自杀未遂的经过，那么他可能会带着一种奇异的眼光躲你躲得远远的，在阳光灿烂的日子里你或许还可以得到廉价的同伴永远不会为你感到难过，你手腕上的伤痕会得到认真的尊重，“你很酷”!所有感到与社会格格不入的人都会在歌特族中找到自己的位置，因为这里的每一个人都是独一无二的。 什么是歌特时尚？ 任何黑色的东西，或其它暗色，如海军蓝、深红。 可以透(薄尼龙或渔网状面料)，但不露。 银饰。 苍白的皮肤。 这可能是因为他们需要一种活死人的外表，也可能是因为想体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美，也可能是反对沙滩文化里“太阳晒出的古铜色才是美的”健康理论。 黑发、漂白过的极浅的金发、红发或紫发。 黑白化妆。 白色粉底。 黑唇膏，黑眼影，细眉。 自我束缚的装饰和恋物癖的服装。 皮革、PVC、橡胶、乳胶都是必不可少的面料。 中世纪的束腰也极为常见。 宽领带或逞钉子的项圈或紧紧系在脖子上的丝绒绳。 T形十字章(古埃及关于永恒生命的标志)。 五角星。 这是异教徒关于火、土地、空气、水、灵魂的符号。 十字架(基督教的象征)。 歌剧风格的披肩、斗篷和长手套。 歌特族们一般不会像朋克们那么极端，他们会讲些品位。 月光撒满大地一切黑暗尽归歌特王朝 无数个剧黑的夜晚，月光冷冷地包围着一切。 空中划过锐利的线条，像是发掘世界最深的罪恶。 生命紧紧地依附着死亡，渲染着黑暗和绝望。 Gothic（歌特）的命名是从德国的“Goth”部落由来的，Goth人入侵了意大利并推翻了罗马帝国。 在15世纪，人们普遍带有着文艺复兴的观念，希望回到古典时代。 介于古典时代和文艺复兴时期的这段时间被称为中世纪。 因为意大利记恨Goth人毁掉了他们的罗马帝国，文艺复兴时期的人们始终对中世纪带有着否定的术语，他们称这一时期为“Gothic”。 意味着野蛮和粗野。 当然我们要看到事物的双面性，中世纪给世人留下了很多宝贵的文化遗产和杰出的艺术作品。 这时期的建筑技术上有了突破式的改进，产生了像NOTRE-PAME这样的歌特式大教堂。 歌特式的艺术不仅仅体现在建筑上，从12世纪到16世纪的早期，雕刻，玻璃制品，装饰物等都贴上了歌特艺术的标签。 宗教在歌特艺术作品中起到了很重要的因素。 画家，雕刻家们比起用现实主义的方法表现主题更多的运用宗教的感觉。 不管怎么说，文艺复兴时期的人门很显然对“Gothic”这个词汇是含蓄的否定。 在英汉字典中Gothic的解释如下： （a）1歌特人的；歌特语的2（建）歌特式的3中世纪的；野蛮的，粗野的4（印）歌特体的；（英）黑体的5歌特式小说体的（以恐怖，凄凉，衰败为特征）（n）1歌特语2歌特式建筑，尖拱式建筑。 那么，若是歌特与音乐的联姻，则任意地写作了GothicRock。 歌特音乐在字典中又做出了另一种解释：热烈的混合了各种乐器，秉持着悲观绝望的终极价值观，透露出启示录般神秘虚空的歌词。 在1800年左右的浪漫主义运动中（ROMANTICMOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。 浪漫主义成为这场文化运动的中心。 浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘主义中寻求理想，还有些人试图从自然中得到答案。 他们用自己不同的方式来达到自己的目标。 在整个浪漫主义运动中歌特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和歌特作家象Byron,Shelley,Baudelaire还有Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。 歌特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象CasparDavidFriedrich对黑暗和荒凉的展现。 而在建筑上新歌特式逐渐成为时尚。 这一时期许多歌特式小说家不断涌现，不仅歌特文学是对人类自身黑色阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。 歌特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如玛利.雪莱的Frankenstein,布来恩.斯托克的Dracula,还有EdgarAllan诗集中的描写.斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度.(当代作家AnneRice的InterviewwiththeVampire和的LostSouls等作品也是斯托克式的延续.)到了20世纪的70年代，朋克作为一种亚文化侵入了主流文化的领域。 原始的朋克来自于暴力和强大的颠覆。 而原名为Warsaw的JoyDivision的出现，无疑将这场充满了破坏欲望和无政府主义的朋克运动带进了后朋克（Post-Punk）时代。 早期的代表还有如SiouxsieandtheBanshees（苏可西女妖与怪兽），Bauhaus（包嚎司）等等。 它们充斥着沉郁厌世的情调。 音乐往往冰冷刺骨，既带有精细的美感，但又同时在音域层面上大量使用偏离旋律线的不协调音，对于一切传统音乐极端的蔑视。 在歌词与表演概念层面，展现着生命与爱欲的荒凉。 从对现实状态的厌弃，进而追求心灵深渊的奇诡乐趣。 在舞台上，她/他们以偏激的狂乱扮装出现，如苏可西略带虐待与被虐情调（SadoMasochistic）的“冰女王”神采，Bauhaus的主唱彼特.墨非（PeterMurphy）把自己打扮成冶艳无常的双性吸血鬼?这种对性别的颠覆与反转，还表现在对神学（或恶魔学）概念的狂热的执迷。 在1981年成立的TheSistersofMercy（仁慈姐妹），是几个爱好中古世纪风格的男子对于音乐意识的反扼，一度被形容为“狂笑著注视罗马城烧成一堆瓦砾”的主唱爱特利奇（AndrewEldritch）一语道破歌德摇滚乐团的宗教立场----对于我们，犬儒精神就如同天主教徒的圣水一样。 早期的后朋克对于生命的诠释往往饱含着沮丧与绝望。 例如JoyDivision（快乐分裂）的主音歌手IanCurtis于80年的自缢身亡。 那些耗损生命而成的音符，成就了JoyDivision的不朽经典，见证着整个低调文化。 他那套灰暗而孤离的人生观，隐藏着阴郁的遗传因子，将整个后朋克文化尽染成深灰与暗黑。 八十年代，在迂落的音乐里构筑了一个悲观的年代，至少在英伦及欧陆地下文化的层面上来说如此。 在当时的独立音乐圈里，趁势涌出一大批黑暗病态、风格邪异的乐队，他们的音乐源自于无尽的压抑，以及对生命的诅咒。 如TheMission（教会），AllaboutEve（所有的夏娃）、FieldsoftheNephilem（列伏林之地）、TheCult（祭仪）等等。 这些被视为绝望、邪气、颓废的乐队/乐手，从Punk那种过激的破坏意识，反方向潜逃往一个内敛而黑暗的世界--这就是那个占据RockMusic了大半个八十年代的低调音乐时空。 哥特摇滚在英国地下音乐圈的形态与演进，正犹如一派邪教降临大地时伸出巨魔的手掌。 它通过难以想像、天马行空的邪异素材来悦纳听众，这就不仅包括了在音乐领域圣灵齐放的空前创造力，也包括了在视觉造型上，所给予人们的前所未有的剌激视觉体验。 中性化的身份造型，浓妆艳抹的打扮，这些并非新浪漫一族的专利。 哥特仿佛是新浪漫的个性相反的孪生兄弟，是华美艳丽背后黑暗病态的一面。 现在让我们去了解一下歌特音乐的改良风格和其他相关乐派.产生于比利时的EBM(ElectronicBodyMusic)是一种电子化阴冷黑色的音乐。 受德国KRAUTROCK运动中Kraftwerk之类电子乐队的影响下产生的。 EBM创始乐队之一Front242一低限化的节拍，以抑郁的声音和军国主义突击队的装束被大家认识。 TheKlinik,Insekt,Dive,ClickClick,ASplitSecond还有后来的SuicideCommando都是BM的一些重要乐队。 Dive和Klinik利用声纳噪音营造出一种冰冷的外太空气氛。 SuicideCommando则融入了更多的舞曲化成分。 类似的乐风在美国和加拿大被称为Industrial，象FrontLineAssembly，SkinnyPuppy等乐队。 他们制造出的合成音乐和多层次的声音非常适合带上耳机去欣赏。 FrontLineAssembly的经典专辑ClassicalbumsareCausticGrip(1990)andTacticalNeuralImplant(1992),值得每个喜欢EMB的人去收藏。 说到现在我们还没有谈到德国，那里可是现在歌特音乐的重镇。 许多德国的乐队被惯以DARKWAVE的音乐标签。 ProjectPitchfork乐队是德国最早涉及到歌特音乐领域内，虽然他们的乐风有所改变，但一直算是一支流行化的组合。 首张专辑《Dhyani》亦为经典，有典型的黑色音乐和评论性的歌词组成。 DeineLakaien乐队的成员有着深厚的音乐基础，他们做出了象Lovemetotheend这样的浪漫主义歌曲。 作品带有着某种程度的中世纪感觉。 德国很大一部分组合演唱时保持着自己的母语，例如GoethesErben，乐队的名字也就说明了一切。 他们的前三张专辑就象是三部曲,各自独立又相互关联。 而Lacrimosa，TiloWolf这些乐队通过添加金属乐的元素不断的对音乐的表现手法做出尝试。 当然我们必须要知道DasIch这个组合，他们的经典专辑是《DiePropheten》，专辑中的歌曲机构复杂歌词充满着智慧化。 阴暗电子乐派代表团体CalvayNada用德语和西班牙语交错演唱，他们最有特点的是主唱Brenal的低音，而歌词方面多涉及政治，社会之类的话题，从这方面看这支乐队在歌特音乐王国中显得与众不同。 总的来说由于浪漫主义情节，德国的大多数乐队是浪漫的歌曲和阴暗电子化相结合的产物。 如今歌特范畴内的音乐越来越呈现出多元化的局面。 例如darkfolk（阴暗民谣），这种乐风的代表是Current93,DeathinJune,SolInvictus还有Fire+Ice。 早期的C93作品比较实验性难以理解，之后DavidTibet利用他个人化的思维开始向声学民谣的方向探索。 C93的前身乐队DeathinJune自从首张专辑Nada推出后颇受争议，他们甚至被指控为极端的右翼倾向。 但DIJ给我们留下印象最深刻的还是异教的祭典式的音乐。 如果想听这类音乐推荐给大家去找WorldSerpent，一个卓越的音乐厂牌，上面的提到的几支乐队均在其旗下推出过作品。 对了，还有一支意大利的组合OrdoEquitumSolis也应该值得我们的关注。 许多歌特乐队都有着某种中世纪的情节，他们将中世纪时期音乐和现代的创作手法相结合。 德国有着许多这样的中世纪组合，音乐的创作者一般有着良好的古典音乐教育背景，知名的乐团包括Qntal，Estampie,FreiburgerSpielleyt等。 在意大利这种音乐更有影响，象Ataraxia，CamerataMediolanense都做出了许多出色的音乐作品。 这类组合不仅仅有歌特的听众群还吸引着部分古典音乐的欣赏者。 而TheMoonlayHiddenBeneathaCloud和RosaCrux的音乐中吸收了祭典音乐的成分。 当然许多乐队的风格是非常难以界定的，象意大利的TakeKirlianCamera，20年来乐队风格年年都有变化。 而法国的情欲主义阴暗电子乐队DieFORM的音乐主题多涉及S/M（性虐待），他们每一部作品多给我们带来新的惊奇。 另一支来自法国的乐队CollectiondArnellAndrea的钢琴声非常有特点，成为自己的独特的标志。 善于创作管弦乐的IntheNursery乐队的作品非常适合作为电影中的陪乐。 在北欧的瑞典，ColdMeatIndustry这个厂牌通过多年的努力推出了很多独一无二的音乐作品。 旗下的乐队风格多样，如血腥派实验乐队BrighterDeathNow和DeutschNepal，氛围音乐组合RaisondEtre，新古典主义的TheProtagonist，天音组合Arcana等。 说到天音如果想更好的了解建议去听一听likeLoveisColderthanDeath,BlackTapeforaBlueGirl，Stoa这些代表乐队。 而在哥特音乐的文本中，我们可以细味到一些涉及宗教、性爱、死亡、绝望、基督以至匪夷所思的虚无论语句，这些都是哥特音乐不可或缺的一环，GothicRock，这覆盖在影像模糊、虚无飘渺的外在躯壳之下的音乐，一切都是那么神秘。 哥特摇滚的风格，可说是继承自JoyDivision的遗传，尤其是那种把贝司提升至主奏位置的癖好，直至今日的后哥特朝代仍无法完全摆脱。 那些抑压着低沉声线或扭曲的人声，沉重如郁结般的贝司，迷幻的吉它声，充满控诉力的鼓击，偶尔发出鬼哭神号般的嘶叫，如同石磨般沉重或是狂野得分崩离析的曲式，还有一张张RockMusic苍白的面孔∶当你对生命感到茫然无助时，你会想到在它背后究竟隐藏着什么吗？是心灵的孤立无援？是死亡阴影的笼罩？还是人世间的悲剧？GothicRock，是建筑于无意识的抽象表达而多于刻意性的音乐颠覆行为。 如同面临一季暗晦的寒冬气候，我们被哥特文化侵占，在非人化的后工业现代社会里面，追逐着一种活着死亡的体验。 同样存在着Barry的音乐先觉，除一贯本色的RockMusic在那个悲观的八十年代里，Gothic这种栖身于主流文化的阴影里的次文化，其影响力早已越过音乐的界限，成为一种生活方式，一种生活的态度，一个哥特信徒所追求的黑色国度。 度过模糊的九十年代，下个世纪今天的哥特摇滚已被解构得支离破碎、残缺不全，TheSistersOfMercy，TheMission这些昔日的哥特守护神也早已离弃了他们的信徒。 但是在今日的阴暗乐派(Dark-Wave)运动中，在死亡民谣(DeathFolk)、后工业噪音(Post-Industrial)、阴暗氛围音乐(DarkAmbient)以至新古典(Neo-Classical)这些形式主义的风格外壳之下，我们仍然欣喜地发现Gothic依然是这些地下文化中最具生命力和影响力的遗传基因。 在这场突破和冲决了情欲与性别的革命中，歌德次文化追求所谓的理想典范“阴阳同体”（hermaphrodite）成为了砸碎禁锢的美丽武器。 看吧，以往被视为妖魔的异类勇敢地摆脱了苍白的天堂，绞碎天使的面孔，抵达永远无情的欲望。 参考资料：!1pHi5mDK_FdwTMwC2YJtvwww!
画家名人
比较著名的画家名人有毕加索、梵高、达·芬奇、齐白石、徐悲鸿、张大千、吴昌硕、黄宾虹、蒋兆和、李可染、傅抱石等。
毕加索：
毕加索（1881-1973），西班牙画家、雕塑家。 法国共产党党员。 是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。 他是西班牙人，自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881～1973）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。 毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画 幅，平版画6121幅。
毕加索的全名：Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso（巴勃罗·迭戈·何塞·弗朗西斯科·德·保拉·胡安·尼波穆切诺·玛丽亚·德·洛斯雷梅迪奥斯·西普里亚诺·德拉圣蒂西马·特林尼达德·鲁伊斯·毕加索）。
艺术成就：
毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画幅，平版画6121幅。
毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。 在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。 对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。 ”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。
毕加索一生中画法和风格几经变化。 也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。 在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。 德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。 在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。 毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想。 然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利。 政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象，身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。 也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。
迁至巴黎的毕加索，既落魄又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。 也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。 于是爱情的滋润与甜美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。 细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。
玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。 整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。 摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的是对人生百态充满兴趣、关注及信心。 在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。 鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。 整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。 实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。 首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。
后期画注目于原始艺术，简化形象。 1915-1920年，画风一度转入写实。 1930年又明显的倾向于超现实主义。 第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》 德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。 这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。 晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。 毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。 毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。
毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。 他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。 他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。 在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
1973年，他静静地离去了，走完了九十二岁的漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。
梵高：
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853年3月30日—1890年7月29日），荷兰后印象派画家。 代表作有《星月 夜》、自画像系列、向日葵系列等。 梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士最后 他投身于绘画。 他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。 1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派 画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。 1888年，来到法国南部小镇阿尔，创作《阿尔的吊桥》；同年与 画家保罗·高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。 此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常 发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。 1889年创作《星月夜》。 1890年7月，梵高在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
梵高的十大著名画作：
《星月夜》、《向日葵》、《鸢尾花》、《乌鸦群飞的麦田》、《罗纳河上的星空》、《夜晚露天咖啡座》、《夜间咖啡馆》、《吃马铃薯的人》、《加歇医生》、《凡高在阿尔丁卧室》。
达·芬奇：
列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 （意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci，1452年4月15日—1519年5月2日，享年67岁），意大利学者、艺术家。
欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。 现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》，《岩间圣母》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。 他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。
他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、天文学家、发明家、建筑工程师。 他还擅长雕刻、音乐、发明、建筑，通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。 他全部的科研成果尽数保存在他的手稿中，爱因斯坦认为，达·芬奇的科研成果如果在当时就发表的话，科技可以提前30-50年。
达·芬奇少年时已显露艺术天赋，15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，成长为具有科学素养的画家、雕刻家。 并成为军事工程师和建筑师1482年应聘到米兰后，在贵族宫廷中进行创作和研究活动，1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。 1516年侨居法国，1519年5月2日病逝。 小行星3000被命名为“列奥纳多”。 最著名的作品是《蒙娜丽莎》现在是巴黎的卢浮宫的三件镇馆之宝之一。
齐白石：
齐白石(1864年1月1日-1957年9月16日)，男，生于湖南长沙府湘潭。 原名纯芝，字渭青，号兰亭。 后改名璜，字濒生，号白石、白石山翁、老萍、饿叟、借山吟馆主者、寄萍堂上老人、三百石印富翁。 是近现代中国绘画大师，世界文化名人。 早年曾为木工，后以卖画为生，五十七岁后定居北京。 擅画花鸟、虫鱼、山水、人物，笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实。
所作鱼虾虫蟹，天趣横生。 齐白石书工篆隶，取法干秦汉碑版，行书饶古拙之趣，篆刻自成一家，善写诗文。 曾任中央美术学院名誉教授、中国美术家协会主席等职。 代表作有《蛙声十里出山泉》《墨虾》等。 着有《白石诗草》《白石老人自述》等。
徐悲鸿：
徐悲鸿（1895-1953年），汉族，原名徐寿康，江苏宜兴市屺亭镇人。 中国现代画家、美术教育家。 曾留学法国学西画，归国后长期从事美术教育，先后任教于国立中央大学艺术系、北平大学艺术学院和北平艺专。 1949年后任中央美术学院院长。 擅长人物、走兽、花鸟，主张现实主义，于传统尤推崇任伯年，强调国画改革融入西画技法，作画主张光线、造型，讲求对象的解剖结构、骨骼的准确把握，并强调作品的思想内涵，对当时中国画坛影响甚大，与张书旗、柳子谷三人被称为画坛的“金陵三杰”。 所作国画彩墨浑成，尤以奔马享名于世。
被称为中国现代美术教育的奠基者，主张发展“传统中国画”的改良，立足中国现代写实主义美术，提出了近代国画之颓废背景下的《中国画改良论》。
1953年9月26日，徐悲鸿因脑溢血病逝，享年58岁。 按照徐悲鸿的愿望，夫人廖静文女士将他的作品1200余件，他一生节衣缩食收藏的唐、宋、元、明、清及近代著名书画家的作品1200余件，图书、画册、碑帖等1万余件， 全部捐献给国家。
张大千：
张大千（1899年～1983年），1899年(光绪二十五年己亥)5月10日，出生在四川省内江县城郊安良里象鼻嘴堰塘湾的一个书香门第的家庭。 原名张正权，又名爰，字季爰，号大千，别号大千居士，四川省内江市人。 传说其母在其降生之前夜梦一老翁送一小猿入宅，所以在他二十一岁的时候改名猨，又名爰、季爰。 后因为出家为僧，法号大千，所以世人也称其为“大千居士”。 张大千二十世纪中国画坛最为传奇的国画大师，无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通。 早期专心研习古人书画，特别在山水画方面卓有成就,后旅居海外，画风工写结合，重彩、水墨融为一体，尤其是泼墨与泼彩，开创了新的艺术风格。 他的治学方法值得那些试图从传统走向现代的画家们借鉴。
张大千是二十世纪中国画坛影响巨大，又最为传奇的国画大师，无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通。 他早期专心研习古人书画，特别在山水画方面卓有成就，后旅居海外，画风工写结合，重彩、水墨融为一体，尤其是开创泼墨与泼彩，发展了中国画新的艺术风格。 无论山水、人物、花鸟都在中国绘画历史上写下了浓重一笔，他是中国画史上少见的最具全方位的画家。 由于其技法独到，创立了名闻尔的大风堂画派，俗称“大千画派”。
吴昌硕：
吴昌硕(1844.8.1-1927.11.29)原名俊，字昌硕，别号缶庐、苦铁等，汉族，浙江省孝丰县鄣吴村(今湖州市安吉县)人，是晚清著名画家、书法家、篆刻家，为“后海派”中的代表，是杭州西泠印社首任社长。 吴昌硕与任伯年、赵之谦、虚谷齐名为“清末海派四大家”。 初名俊，又名俊卿，字昌硕，又署仓石、苍石，多别号，常见者有仓硕、老苍、老缶、苦铁、大聋、石尊者等。
吴昌硕个人生平：
清道光二十四年(1844年)8月1日，生干浙江省孝丰县鄣吴村一个读书人家。 幼时随父读书，后就学于邻村私塾。 10余岁时喜刻印章，其父加以指点，初入门径。 咸丰十年(1860年)太平军与清军战于浙西，全家避乱于荒山野谷中，弟妹先后死于饥馑。 后又与家人失散，替人做短工、打杂度日，先后在湖北、安徽等地流亡数年，21岁时回到家乡务农。 耕作之余，苦读不辍。 同时钻研篆刻书法。
同治四年(1865)吴昌硕中秀才，曾任江苏省安东县(今涟水县)知具，仅一月即去，自刻“一月安东令”印记之。 同治十一年(1872)，他在安吉城内与吴兴施酒(季仙)结婚，浙江归安具(今属吴兴具)募湖镇人。 结婚后不久，为了谋生，也为了寻师访友，求艺术上的深造，他时常远离乡井经年不归。 光绪八年(1882)，他才把家眷接到苏州定居，后来又移居上海，来往于江、浙、沪之间，阅历代大量金石碑版、玺印、字画，眼界大开。 后定居上海，广收博取。
诗、书、画、印并进:晚年风格突出，篆刻、书法、绘画三艺精绝，声名大振，公推艺坛泰斗，成为“后海派艺术的开山代表、近代中国艺坛承前启后的一代巨匠。 清光绪三十年(1904年)夏季，与篆刻家叶为铭、丁二、吴金培、王等人聚于杭州西湖人倚楼，探讨篆刻治印艺术，1913杭州西泠印社正式成立，吴昌硕被推为首任社长，艺名益扬。 七十岁后又暑大聋。 中国近代杰出的艺术家，是当时公认的上海画坛、印坛领袖，名满天下。
黄宾虹：
黄宾虹（1865-1955） 原名质，字朴存，号宾虹，别号予向。 安徽歙县人。 自幼酷嗜丹青，曾从陈崇光、郑珊等学画。 1908年起在沪京等地从事书画编辑、鉴定和教学。 1948年来杭，应聘任国立艺术专科学校教授，后兼任中央美术学院国画研究所所长、华东美术家协会副主席等职。 荣获华东行政委员会所授的人民艺术家称号。 黄宾虹特擅山水。 初从明人入手，继攻宋代马、夏、二米与元四家，又上溯五代之荆、关、董、巨，下取清代之程邃、髡残，兼综并蓄，旁收博采，尽窥古人之深心。 平生又喜游历，足迹遍及名山大川，实地写生，积稿盈万。 故其画融会古今，穷极变化，自成浑厚华滋之独特面貌。 用笔融入篆籀之意，凝重高古，刚健婀娜；又精墨法，好用破墨、积墨、宿墨；其章法乱而不乱，不齐而齐，繁而不闷，疏而不空，尤善以黑、密、厚、重之繁体抒写山川浑然之气趣。 间作花鸟虫鱼，妍雅清逸，别有水流花开之妙。 黄宾虹学养渊博，著述宏富，出版有《黄宾虹美术文集》等，另有《黄宾虹画集》等多种画册行世。 黄宾虹是现代中国画坛的艺术大师，杰出的艺术教育家。
蒋兆和：
蒋兆和（1904-1986）被称为20世纪中国现代水墨人物画的一代宗师，中国现代画坛独领风骚的艺术巨匠。 蒋兆和学贯中西的代表作《流民图》，以其前所未有的宏大、悲壮，以浑厚有力的笔触揭示了大师至真至善的人性，倾泄着对战争的愤怒，表达了对正义与和平的呼唤，为现代中国水墨人物画在世界艺坛上确立了光荣的地位。
蒋兆和是“五四”运动以来极具变革思想的艺术家之一，中国现代著名画家和美术教育家，中央美术学院教授，为徐悲鸿写实主义绘画体系的重要人物。 在徐悲鸿先生的影响下，他集中国传统水墨技巧与西方造型手段于一体，在“写实”与“写意”之间架构全新的笔墨技法，由此极大地丰富了中国水墨人物画的表现力，使中国的水墨人物画由文人士大夫审美情趣的迹化转换为表现人生、人性，表达人文关怀，呼唤仁爱精神的载体。 蒋兆和在水墨人物画领域中把中国画特有的造型魅力最大化，使中国的现代水墨人物画一跃而并立于世界现实主义绘画的行列。
李可染:
李可染（1907-1989） 江苏徐州人。 早年入上海美术专科学校学习，1929年考入杭州国立艺术院研究生班，从林风眠、克罗多学油画。 1937年进入郭沫若主持的政治部第三厅，创作抗日救亡宣传画。 1943年任国立艺术专科学校中国画讲师。 1946年任北平艺术专科学校教授，并师从齐白石、黄宾虹。 后历任中央美术学院教授、中国美术家协会副主席、中国画研究院院长等职。 李可染积极从事传统中国画的变革，主张用最大的功力打进去，用最大的勇气打出来 。 既取法前代范宽、李唐、龚贤及黄宾虹等大师，又适当吸收西方绘画技法，而更重实地写生。 他认为山水画创作是为祖国河山立传，多年来行程十数万里，走遍大江南北，饱游饫看，深入探求自然山川之奥妙。 其山水画浑厚凝重，深沉茂密，具有鲜明的时代感和独创性。 所作写意人物与牛，形象生动，笔墨简劲，富于生活情趣。 有《李可染书画全集》、《李可染论艺术》等行世。 李可染是当代著名的中国山水画大师、杰出的艺术教育家。
傅抱石:
傅抱石(1904-1965)，出生于江西南昌，祖籍江西新喻，家境贫寒，幼时在邻居裱画店里接触到清代大画家石涛的作品。 在当时山水画盛行的是“四王”画风，傅抱石却偏爱石涛的画，并且受石涛绘画理论的影响，所以18岁时改名抱石。 此外研习梅清、程邃等的画法。 1933年在徐悲鸿的帮助下到日本留学，吸收横山大观、竹内栖风、小杉放庵等日本画家的画法。 抗战时期，傅抱石到了重庆，在蜀地写生作画，形成散锋笔法和抱石皴，个人面貌初见端倪。 建国后，傅抱石在南京师范学院美术系任教。 1957年筹建江苏省国画院。 1959年赴北京与关山月合作，为人民大会堂创作《江山如此多娇》。 1960年3月，江苏省国画院正式成立，傅抱石任院长，9月率“江苏国画工作团”写生。 可以说，在“新金陵画派”出现之前，傅抱石就已经在画坛享有声誉，他那时已56 岁，个人风格渐趋成熟。 以《茅山雄姿》、《山阴道上》为其代表作品。
油画的简介：
油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克（Jan Van Eyck），（1385年-1441年） 对绘画材料等加以改良后发扬光大。 后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出的独特贡献，誉其为“油画之父”。 油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。 随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。 油画是欧洲人发明的。 约在公元10世纪时就有了油画的形式，经过各方面的改进，终于在公元15世纪形成了油画艺术。 油画是用油质颜料在布、木板、厚纸和墙壁上绘制而成的图画。
油画由于其自身的三大特点：色彩丰富，表现力强，最善于再现周围世界的真实；颜料覆盖力强，便于修改，作画自由；色彩稳定，不易霉变，可长期保存等，而成为绘画艺术中一个最重要的画种，在全世界普遍流行。 许多世界画库中重要的、著名的绘画题材都是用油画来表现的。 油画的颜料是用油来溶和颜料制成的。 油画常用的油有：亚麻仁油、松节油、上光油等。 油画笔一般都是猪鬃扁笔，较硬。 制作油画还需要用到油画刀、油画布或油画纸板。 画布一般要求不吸油和不渗透颜色，这些都可以自制。
油画的基本技法可分为两大类型：单层画法和多层画法。 单层画法是直接调好颜色完成作画，其最大特点是色彩新鲜明朗，笔调流畅。 多层画法是一层层地复加色彩，可以很好地表现物体的质感或空间感，色彩丰富而又含蓄。
谈到油画，不能不提及14世纪下半叶至16世纪文艺复兴时期的意大利。 一些最出色的画家如达·芬奇、桑特洛·波提切利、米开朗基罗·波纳罗提等都是那个时期的代表人物。 一些著名油画如《蒙娜丽莎》(达·芬奇)、《春》(波提切利作)、《沉睡的维纳斯》(乔尔乔内作)等都是这个时期的优秀作品。 19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。
油画的特点：
油画的工具材料的性能具有比较明显的优越性：
绘画中的各类造型因素色彩、明暗、线条等等都可以获得综合的、充分的运用。 油画可以极度具体地、细致地表现工具的全部造型和视觉的特征——即再现对象在具体的时间、空间里的光色关系、明暗层次、形体结构、空间感和质量感，使画面形象达到非常真切的地步。 油画颜色干透后，十分坚固，不易损坏，可以长期保存。 韩默藏画在我国展出时，其中有鲁本斯、伦勃朗的原作，虽然已经历了数个世纪，仍色泽夺目，恰似新画一般。 画面丰富、厚重、沉着和有光泽感。 画面总的效果来看，如果说水彩画给人以通明、轻快、流畅的感觉，水粉画给人以鲜艳、柔润、浑厚的感觉，那么油画的特点是丰富、厚重、沉着和有光泽感。 由油画的色彩、笔触和色层厚薄相间所构成的油画画肌显示出油画独特的质地感、质地美，并且十分丰富多变。
水墨画简介：
是中国画的一种表现形式，一般指用水和墨所作之画。 由墨色的焦、浓、重、淡、清产生丰富的变化，表现物象，有独到的艺术效果。 更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。 基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。 别有一番韵味称为“墨韵”。 而形成水墨为主的一种绘画形式。 相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。 以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。 “墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。
水墨画的艺术特征：
水墨画是中国汉族特色较强的一种绘画艺术形式，借助具有本民族特色的绘画工具和材料（毛笔、宣纸和墨），表现具有意象和意境的绘画。 其特征主要有两个方面，一是从工具材料上来说，水墨画具有水乳交融，酣畅淋漓的艺术效果。
具体地说就是将水、墨和宣纸的属性特征很好地体现出来，如水墨相调，出现干湿浓淡的层次；再有水墨和宣纸相融，产生溵湿渗透的特殊效果。
二水墨画表现特征，由于水墨和宣纸的交融渗透，善于表现似像非像的物象特征，即意象。 这种意象效果能使人产生丰富的遐想，符合“中国绘画注重意境”的审美理想。
